베르나르 오베르탱
Bernard Aubertin
곽인식
In Sik Quac
로버트 배리
Robert Barry
니콜라 샤르동
Nicolas Chardon
아키오 이가라시
Akio Igarashi
솔르윗
Sol Lewitt
퀸터 움버그
Gunther Umberg
리차드 세라
Richard Serra
리차드 롱
Richard Long
갤러리 신라는 현대미술에서 ‘검정’이 지니는 다양한 의미와 가능성을 탐구하는 기획전 《BLACK IS NOT BLACK : Black is not a color》을 개최한다. 이번 전시는 Sol LeWitt, Akio Igarashi, Günther Umberg, Bernard Aubertin, 곽인식, Richard Serra, Richard Long, Nicolas Chardon, Robert Barry 등 국제적으로 주목받아 온 작가들의 작품을 통해 검정이라는 하나의 색이 어떻게 서로 다른 예술적 언어로 확장되어 왔는지를 살펴본다.
‘검정’을 색채가 아닌 하나의 예술적 질문으로 바라보는 이번 전시는 검정을 특정한 색이나 시각적 이미지로 규정하지 않는다. 검정은 작품에 따라 개념, 물질, 공간, 깊이, 침묵, 흔적, 무게, 시간, 언어와 인식으로 변화하며, 검정이라는 하나의 조건을 통해 9인의 현대미술작가 각자의 다른 사고방식을 살펴보는 전시라고 할 수 있다.
Sol LeWitt — 개념과 구조, 질서와 시스템
Akio Igarashi — 반복과 표면, 밀도와 구조
Günther Umberg — 깊이와 침묵, 명상적 공간
Bernard Aubertin — 불과 소멸, 물질의 변화
Quac Insik — 행위와 흔적, 물질의 관계
Richard Serra — 무게와 압력, 공간의 지각
Richard Long — 이동과 시간, 자연의 흔적
Nicolas Chardon — 회화의 표면과 구조
Robert Barry — 언어와 반영, 인식과 관람자의 관계
검정은 가장 단순한 색처럼 보이지만, 현대미술에서는 결코 하나의 의미로 규정되지 않는다. Sol LeWitt에게 검정은 개념과 질서의 언어가 되며, Günther Umberg에게는 깊이와 침묵의 공간으로 다가온다. Bernard Aubertin의 작업에서는 불과 소멸의 흔적이 되고, 곽인식에게서는 행위와 물질이 남긴 흔적으로 나타난다. Robert Barry의 Black Mirror는 검정을 거울이라는 매체와 결합하여 작품과 관객, 공간과 시선 사이의 관계를 새롭게 인식하게 한다. Richard Serra의 검정은 무게와 압력, 공간의 감각으로 확장되며, Richard Long의 흑백사진에서는 자연과 이동, 시간의 흔적을 담아낸다. Akio Igarashi와 Nicolas Chardon의 작업은 검정을 표면과 구조, 그리고 회화의 근본적인 문제로 다시 연결한다.
이번 전시는 검정을 단순한 색채나 미적 스타일로 바라보지 않는다. 검정이 어떻게 개념이 되고, 표면과 깊이가 되며, 불과 흔적, 물질과 공간, 시선과 반영, 시간과 회화의 문제로 변화하는가를 하나의 전시 안에서 보여준다.
전시 제목인 《BLACK IS NOT BLACK》은 이러한 질문을 함축한다. 모두 같은 검정을 사용하고 있는 것처럼 보이지만, 작가마다 검정은 전혀 다른 경험과 의미를 만들어낸다. 특히 로버트 배리의 Black Mirror 앞에서 관객은 단어(without, unlike, somehow, wonder, gone, almost, real, forgotten, different, together, passion, end, nowhere )의 의미를 읽는 동시에 검정 거울에 비친 자신의 모습을 마주하게 된다. 이미지와 언어, 존재와 부재, 관람자와 작 품사이의 관계에 대해 질문하면서 검정은 더 이상 단순히 ‘보이는 것’이 아니라 보는 행위 자체를 되돌려주는 장치가 된다.
이번 전시는 검정을 하나의 색이 아닌 다양한 의미와 가능성으로 바라보는 동시대 현대미술 작가들의 예술적 시각과 방법을 살펴볼 수 있는 기회가 될 것입니다.
많은 관심과 관람 바랍니다.
솔 르윗(Sol LeWitt, 1928–2007)은 미국 코네티컷주 하트퍼드 출생의 작가로, 1960~70년대 개념미술의 형성에 중요한 역할을 한 작가이다. 시러큐스대학교에서 미술을 전공했으며, 뉴욕 현대미술관(MoMA)에서 근무한 경험을 바탕으로 동시대 미술의 새로운 흐름을 접했다. 1960년대 중반부터 큐브, 모듈, 그리드와 같은 단순한 구조를 바탕으로 작업했으며, 이후 벽 드로잉과 판화 등으로 영역을 확장했다. 그는 작품의 물리적 결과보다 작품을 출발시키는 ‘아이디어’와 그것을 실행하는 규칙을 중요하게 생각했다. 작가가 제시한 지시문에 따라 다른 사람들이 작품을 제작할 수 있도록 한 방식은 전통적인 작가 개념에도 새로운 질문을 던졌다. 그의 작업은 미니멀리즘과 개념미술을 연결하는 대표적인 사례로 평가된다. 1968년부터 시작한 월 드로잉은 그의 대표적인 작업 방식으로, 생애 동안 약 1,200점의 작품을 제작했다. MoMA, 메트로폴리탄미술관, 스미스소니언 미국미술관 등 세계 주요 미술관에 작품이 소장되어 있다.
아키오 이가라시 (Akio Igarashi, 1938–)는 일본을 기반으로 활동해 온 현대미술가로, 회화의 물질성과 표면에 대한 지속적인 탐구를 이어왔다. 특히 검정으로 화면을 덮은 뒤 사포로 표면을 갈아내고 다시 색을 중첩하는 〈Erasing Painting〉 연작으로 잘 알려져 있다. 그의 회화는 화면을 단순히 색을 칠하는 평면으로 보지 않고, 지우고 덧입히는 행위가 축적되는 물질적 장소로 바라본다. 검정은 그의 작업에서 완결된 색이라기보다 지워짐과 생성이 반복되는 과정의 흔적으로 작용한다. 1980년대부터 대형 캔버스 작업을 제작했으며, 일본 주요 미술관에 작품이 소장되어 있다. 2016년과 2019년 일본 갤러리 야마구치에서 주요 개인전이 개최되었으며, 2024년 갤러리 신라 서울에서도 개인전을 선보였다. 그의 작업은 회화의 표면과 시간, 물질의 축적과 소멸을 탐구하는 동시대 회화의 한 사례로 주목받고 있다.
귄터 움버그(Günther Umberg, 1942–)는 독일 본에서 태어나 쾰른을 중심으로 활동해 온 화가이다. 1960년대 뒤셀도르프와 앤트워프의 미술학교 등에서 수학한 뒤 1970년부터 독립 작가로 활동했다. 그는 회화의 본질적 조건과 색채, 표면에 대한 연구를 지속했으며 특히 검정 회화를 통해 국제적으로 알려졌다. 움버그의 검정은 단순한 단색화가 아니라 깊이와 밀도, 빛과 공간의 관계를 지각하게 하는 회화적 장치로 기능한다. 화면의 표면과 색채를 극도로 절제함으로써 관람자의 시선과 신체적 경험을 작품의 중요한 요소로 끌어들인다. 1970년대 이후 독일을 비롯해 프랑스, 영국, 미국, 이탈리아 등에서 지속적으로 전시했으며, 욕 PS1, 쾰른, 프랑크푸르트, 바덴바덴 등의 주요 미술기관에서 개인전을 개최했다.
베르나르 오베르탱(Bernard Aubertin, 1934–2015)은 프랑스의 전후 추상미술을 대표하는 작가 가운데 한 명으로, 국제적인 ZERO 운동과 밀접한 관계를 맺었다. 프랑스 퐁트네오로즈에서 태어났으며 1957년 이브 클랭을 만나면서 자신의 예술적 방향을 발전시켰다. 1950년대 후반부터 모노크롬 회화를 제작했으며, 초기에는 특히 ‘붉은색’을 불과 에너지의 상징으로 탐구했다. 이후 성냥, 철사, 못, 불 등을 회화에 도입한 Fire Paintings를 통해 회화와 행위, 물질의 경계를 확장했다. 그의 작업에서 생성과 소멸, 에너지와 변화를 동시에 의미하는 중요한 매체였다. 1960~61년 ZERO 운동에 참여했으며, 유럽의 전후 미술에서 회화의 새로운 가능성을 탐구했다. 카셀 도큐멘타와 베니스비엔날레를 비롯한 주요 국제 전시에 참여했다.
곽인식(Quac Insik, 1919–1988)은 대구에서 태어나 일본을 중심으로 활동한 한국의 실험미술가이다. 1937년 일본으로 건너가 일본미술학교에서 수학했으며, 이후 회화와 조각의 경계를 넘나드는 독창적인 작업을 전개했다. 1960년대부터 유리, 돌, 철사, 종이, 동판 등 일상적인 물질의 성질과 관계를 탐구했다. 특히 유리와 돌, 금속 등에 가한 작은 균열과 파손, 연결의 행위를 통해 물질 자체가 지닌 존재와 시간의 흔적을 드러냈다. 그의 작업은 전후 일본의 실험미술 및 이후 전개되는 ‘모노하’와 연결되는 선구적인 사례로 평가받는다. 1962년경부터 유리 파편, 철사, 전구, 바둑돌 등을 화면에 도입하며 기존 회화의 틀을 근본적으로 확장했다. 대구 출신이라는 지역적 배경과 함께 한국과 일본 현대미술의 관계를 이해하는 데 중요한 작가로 평가된다. 그의 작품은 후쿠오카아시아미술관 등 국내외 주요 미술관에 소장되어 있다.
리차드 세라(Richard Serra, 1938–2024)는 미국을 대표하는 조각가로, 산업 재료와 공간의 관계를 근본적으로 탐구한 작가이다. 샌프란시스코에서 태어나 캘리포니아대학교 버클리와 예일대학교에서 공부했으며, 학비를 마련하기 위해 철강 공장에서 일한 경험이 그의 조각 세계에 중요한 영향을 주었다. 1960년대 중반 뉴욕으로 이주한 이후 철과 납 등 산업 재료를 이용해 전통적인 조각의 개념을 확장했다. 그의 작업은 무게, 중력, 균형, 압력, 공간과 같은 물리적 조건을 관람자가 직접 경험하도록 만든다. 대표적인 장소특정적 작품들은 건축과 도시 공간 자체를 작품의 일부로 변화시켰다. 1981년 뉴욕 연방광장에 설치된 《Tilted Arc》는 공공미술과 장소의 관계를 둘러싼 논쟁을 일으킨 대표적 사례다. 파리 퐁피두센터, 뉴욕 MoMA, 스테델릭미술관 등 세계 주요 미술기관에서 개인전을 개최했다.
리차드 롱(Richard Long, 1945–)은 영국 브리스톨 출신의 작가로, 걷기와 자연 속에서의 행위를 조각적 실천으로 발전시킨 대표적인 대지미술가이다. 브리스톨의 West of England College of Art와 런던의 St. Martin's School of Art에서 수학했다. 1967년 발표한 《A Line Made by Walking》은 걷는 행위 자체를 예술의 방법으로 전환한 대표적인 초기 작업이다. 그는 자연 속을 걸으며 돌이나 나무 등을 이용해 원과 선 등의 단순한 형태를 만들고 이를 사진, 지도, 텍스트로 기록해 왔다. 작품은 인간의 움직임과 자연, 시간의 관계를 최소한의 조형 언어로 보여준다. 1970년대부터 유럽과 미국의 주요 미술관에서 지속적으로 전시했으며, 1989년 영국의 Turner Prize를 수상했다. 2009년에는 런던 Tate Britain에서 대규모 회고전 《Heaven and Earth》를 개최했다.
니콜라 샤르동(Nicolas Chardon, 1974–)은 프랑스 클라마르에서 태어나 파리를 중심으로 활동하는 동시대 화가이다. 파리 국립고등미술학교(ENSBA)를 졸업했으며, 2008–2009년 로마의 빌라 메디치(Villa Médicis) 레지던시에 참여했다. 그는 회화를 단순한 이미지가 아니라 캔버스와 프레임으로 이루어진 물질적 대상으로 바라본다. 특히 깅엄, 마드라스, 타탄과 같은 일상적인 격자무늬 직물을 캔버스로 사용해 장력에 의해 변형되는 격자를 회화의 구조로 활용한다. 이를 통해 추상적 이미지와 실제 물질, 회화의 평면성과 제작 과정 사이의 관계를 탐구한다. 1990년대 후반 이후 프랑스와 유럽을 비롯한 국제 무대에서 지속적으로 전시해 왔다. Centre Pompidou, MUDAM, Musée d'Art Moderne et Contemporain de Strasbourg 등 주요 기관에 작품이 소장되어 있다. 갤러리 신라와도 지속적으로 전시를 이어오고 있으며, 2025년과 2026년 서울 전시에 참여했다.
로버트 배리(Robert Barry, 1936–)는 뉴욕에서 태어나 활동해 온 미국의 대표적인 개념미술가이다. 헌터칼리지에서 수학했으며, 1960년대 중반부터 전통적인 미술 오브제의 물질적 한계를 넘어서는 작업을 전개했다. 그는 작품이 놓이는 공간과 전시의 맥락, 그리고 관람자의 지각 과정 자체를 중요한 예술적 요소로 삼았다. 1960년대 후반에는 초음파, 불활성 기체, 자기장 등 눈에 보이지 않는 물질과 현상을 활용하며 비물질적 예술의 가능성을 탐구했다. 1970년대부터는 언어와 단어를 작업의 주요 매체로 발전시켰다. Barry에게 중요한 것은 대상 자체보다 무엇을 어떻게 지각하는가라는 행위이며, 그의 작업은 보이는 것과 보이지 않는 것 사이의 경계를 지속적으로 질문한다. 뉴욕, 파리, 런던 등 국제 미술계에서 지속적으로 활동해 왔으며, 개념미술의 형성과 발전에 중요한 작가로 평가된다. 이번 전시에서는 《Black Mirror》를 통해 검정, 거울, 언어, 관람자의 지각이 만나는 지점을 보여준다.
English
Gallery Shilla presents the special exhibition 《BLACK IS NOT BLACK : Black is not a color》, which explores the diverse meanings and possibilities of “black” in contemporary art. Through works by internationally acclaimed artists including Sol LeWitt, Akio Igarashi, Günther Umberg, Bernard Aubertin, Quac Insik, Richard Serra, Richard Long, Nicolas Chardon, and Robert Barry, the exhibition examines how a single color, black, has expanded into different artistic languages.
Rather than viewing “black” simply as a color, this exhibition approaches it as an artistic question. Black is not defined as a specific color or visual image. Depending on the work, it transforms into concept, material, space, depth, silence, trace, weight, time, language, and perception, allowing visitors to explore the distinct ways of thinking embodied in the practices of these nine contemporary artists through the shared condition of black.
Sol LeWitt — Concept and structure, order and system
Akio Igarashi — Repetition and surface, density and structure
Günther Umberg — Depth and silence, meditative space
Bernard Aubertin — Fire and disappearance, the transformation of material
Quac Insik — Action and trace, the relationship between material and gesture
Richard Serra — Weight and pressure, the perception of space
Richard Long — Movement and time, traces of nature
Nicolas Chardon — The surface and structure of painting
Robert Barry — Language and reflection, perception and the relationship with the viewer
Black may appear to be the simplest of colors, but in contemporary art it can never be defined by a single meaning. For Sol LeWitt, black becomes a language of concept and order, while for Günther Umberg, it emerges as a space of depth and silence. In the work of Bernard Aubertin, it becomes a trace of fire and disappearance, while for Kwak Insik, it appears as a trace left by action and material. Robert Barry’s Black Mirror combines black with the medium of the mirror, prompting a renewed awareness of the relationship between the work and the viewer, as well as between space and gaze. Richard Serra’s black expands into sensations of weight, pressure, and spatial perception, while Richard Long’s black-and-white photographs capture traces of nature, movement, and time. The works of Akio Igarashi and Nicolas Chardon reconnect black with the fundamental questions of surface, structure, and painting itself.
This exhibition does not approach black simply as a color or aesthetic style. It demonstrates how black can become concept, surface and depth, fire and trace, material and space, gaze and reflection, and questions of time and painting, all within a single exhibition.
The title of the exhibition, 《BLACK IS NOT BLACK》, encapsulates these questions. Although the works may appear to use the same black, each artist creates an entirely different experience and meaning through it. In particular, in front of Robert Barry’s Black Mirror, viewers simultaneously read the meanings of the words (without, unlike, somehow, wonder, gone, almost, real, forgotten, different, together, passion, end, nowhere) and encounter their own reflections in the black mirror. As the work raises questions about the relationship between image and language, presence and absence, the viewer and the artwork, black is no longer simply something that is “seen,” but becomes a device that reflects the act of seeing itself back to the viewer.
This exhibition offers an opportunity to explore the artistic perspectives and approaches of contemporary artists who view black not as a single color, but as a field of diverse meanings and possibilities.
We warmly invite you to visit and look forward to your interest in the exhibition.
Sol LeWitt (1928–2007) was an American artist born in Hartford, Connecticut, who played an important role in the development of Conceptual Art in the 1960s and 1970s. He studied art at Syracuse University and later worked at the Museum of Modern Art (MoMA) in New York, where he encountered emerging currents in contemporary art. From the mid-1960s, he developed works based on simple structures such as cubes, modules, and grids, later expanding his practice into wall drawings and printmaking. Rather than emphasizing the physical outcome of a work, LeWitt placed greater importance on the “idea” that initiated the work and the rules governing its execution. His method of providing instructions that could be carried out by others challenged conventional notions of authorship and the role of the artist. His practice is widely regarded as a key example of the connection between Minimalism and Conceptual Art. Beginning in 1968, his Wall Drawings became one of his defining modes of practice, and he produced approximately 1,200 works over the course of his lifetime. His works are held in major museums around the world, including MoMA, The Metropolitan Museum of Art, and the Smithsonian American Art Museum.
Akio Igarashi (1938–) is a contemporary artist who has been based in Japan and has pursued an ongoing exploration of the materiality and surface of painting. He is particularly known for his Erasing Painting series, in which he covers the surface with black and then sands it down before applying successive layers of color. Rather than treating the canvas simply as a flat surface onto which color is applied, Igarashi regards it as a material site where acts of erasure and accumulation are repeatedly inscribed. In his work, black functions not as a final or complete color, but as a trace of an ongoing process of erasure and creation. Since the 1980s, he has produced large-scale canvases, and his works are held in major museums in Japan. Major solo exhibitions were held at Gallery Yamaguchi in Japan in 2016 and 2019, and in 2024 he presented a solo exhibition at Gallery Shilla in Seoul. His practice has drawn attention as an example of contemporary painting that explores the surface of the canvas, time, and the accumulation and disappearance of material.
Günther Umberg (1942–) is a German painter born in Bonn who has been based primarily in Cologne. After studying at art schools in Düsseldorf and Antwerp during the 1960s, he began working independently as an artist in 1970. He has continuously investigated the fundamental conditions of painting, as well as color and surface, and has become internationally known particularly for his black paintings. Umberg’s use of black is not simply monochromatic; rather, it functions as a painterly device that makes viewers perceive relationships among depth, density, light, and space. By reducing the surface and color of the painting to an extreme degree, he brings the viewer’s gaze and bodily experience into the work as essential elements. Since the 1970s, he has exhibited extensively in Germany as well as in France, the United Kingdom, the United States, and Italy, and has held solo exhibitions at major institutions including PS1 in New York, and museums in Cologne, Frankfurt, and Baden-Baden.
Bernard Aubertin (1934–2015) was one of the leading figures of postwar French abstract art and was closely associated with the international ZERO movement. Born in Fontenay-aux-Roses, France, he met Yves Klein in 1957, an encounter that significantly influenced the development of his artistic direction. From the late 1950s, he produced monochrome paintings, initially focusing particularly on the color red as a symbol of fire and energy. He later introduced matches, wire, nails, and fire into his paintings in his Fire Paintings, expanding the boundaries between painting, action, and material. Fire became an important medium in his work, simultaneously signifying processes of creation and destruction, energy and transformation. He participated in the ZERO movement in 1960–61 and explored new possibilities for painting within the context of postwar European art. He participated in major international exhibitions, including documenta in Kassel and the Venice Biennale.
Quac Insik (1919–1988) was a Korean experimental artist born in Daegu who was primarily active in Japan. He moved to Japan in 1937 and studied at the Nippon Art School, subsequently developing an innovative practice that crossed the boundaries between painting and sculpture. From the 1960s onward, he explored the properties and relationships of everyday materials such as glass, stone, wire, paper, and copper plates. Through acts of cracking, breaking, and connecting glass, stone, and metal, he revealed the inherent presence of materials and traces of time. His practice is regarded as a pioneering example connected to experimental art in postwar Japan and, subsequently, to the development of Mono-ha. Around 1962, he began incorporating fragments of glass, wire, light bulbs, and Go stones into his paintings, fundamentally expanding the conventional framework of painting. Alongside his regional background as an artist from Daegu, he is an important figure for understanding the relationship between modern and contemporary art in Korea and Japan. His works are held in major museums in Korea and abroad, including the Fukuoka Asian Art Museum.
Richard Serra (1938–2024) was a major American sculptor who fundamentally explored the relationship between industrial materials and space. Born in San Francisco, he studied at the University of California, Berkeley, and Yale University. His experience working in steel mills to support his education had a significant influence on his sculptural practice. After moving to New York in the mid-1960s, he used industrial materials such as steel and lead to expand conventional definitions of sculpture. His works engage viewers directly with physical conditions such as weight, gravity, balance, pressure, and space. His major site-specific works transformed architecture and urban environments themselves into integral components of the work. Tilted Arc, installed at Federal Plaza in New York in 1981, became a landmark case in debates surrounding public art and its relationship to site. He held solo exhibitions at major institutions around the world, including the Centre Pompidou in Paris, MoMA in New York, and the Stedelijk Museum in Amsterdam.
Richard Long (1945–) is a British artist from Bristol who developed walking and actions in nature into a major form of sculptural practice and became one of the leading figures of Land Art. He studied at the West of England College of Art in Bristol and at St. Martin’s School of Art in London. His 1967 work A Line Made by Walking is a seminal early example of transforming the act of walking itself into an artistic method. Walking through natural environments, he creates simple forms such as circles and lines using stones, branches, and other natural materials, and records these actions through photographs, maps, and text. His works reveal relationships among human movement, nature, and time through a minimal visual language. Since the 1970s, he has exhibited extensively at major museums in Europe and the United States, and in 1989 he was awarded the Turner Prize. In 2009, Tate Britain in London presented a major retrospective, Heaven and Earth.
Nicolas Chardon (1974–) is a contemporary French painter born in Clamart and based in Paris. He graduated from the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts (ENSBA) in Paris and participated in the Villa Médicis residency in Rome in 2008–2009. He approaches painting not simply as an image, but as a material object composed of canvas and frame. In particular, he uses everyday checked fabrics such as gingham, madras, and tartan as canvases, employing grids distorted by the tension of the fabric as structural elements of his paintings. Through this approach, he explores the relationship between abstract imagery and physical material, as well as between the flatness of painting and the process of its making. Since the late 1990s, he has exhibited extensively in France, Europe, and internationally. His works are held in major institutions including the Centre Pompidou, MUDAM, and the Musée d’Art Moderne et Contemporain de Strasbourg. He has also continued to exhibit with Gallery Shilla, participating in exhibitions in Seoul in 2025 and 2026.
Robert Barry (1936–) is a major American Conceptual artist who was born and has worked in New York. He studied at Hunter College and, from the mid-1960s, developed a practice that moved beyond the material limitations of traditional art objects. He regarded the space in which a work was presented, the context of exhibition, and the viewer’s process of perception as essential elements of art. In the late 1960s, he explored the possibilities of immaterial art through invisible substances and phenomena such as ultrasound, inert gases, and magnetic fields. From the 1970s onward, he increasingly developed language and words as primary artistic media. For Barry, the central concern is not the object itself but the act of perceiving—what is perceived and how it is perceived. His work continuously questions the boundary between the visible and the invisible. He has remained active in the international art world, particularly in New York, Paris, and London, and is regarded as an important figure in the formation and development of Conceptual Art. In this exhibition, Black Mirror explores the intersection of black, the mirror, language, and the viewer’s perception.